Natsuki Oshiro focuses on literary perspectives through painting, sculpture, print distribution, and murals. Her practice, originally derived from the idea of gardens, explores the landscapes of words in poetry. After her research on French gardens at the Cité Internationale des Arts in Paris in 2018, supported by the Shell Art Award, she began to integrate her decorative repetitive patterns with abstract expressions.
The roots of her creative process are deeply connected to the metaphorical concept of Mitate in traditional Japanese gardens, where symbolic landscapes in poetry are represented in a unique simplified way.
Starting with an initial drawing that abstracts the spatial shifts within a poem, she transforms the views of the words into paintings/sculptures and repeats them in different ways. One work contains another, and the figure is gradually reshaped as the subject is formalized.
She explores the visualization of poetry as a window to share the landscapes perceived by others.
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Replacing social symbols with literary perspectives is the core of Natsuki Oshiro's work. She believes that a historical literary perspective can be a window to replace the monotony of the urban landscape with a richer experience.
With reading an ancient poem, we could see the moon that an ancient poet saw 1,300 years ago.
Through words, poetry conveys the landscape seen by people from different times and places, and I believe there is a potential for the expansion of the imagination that would not be realized if reproducible images remained.
In Japanese gardens, waterfalls are expressed using only stones, or famous scenic spots are represented in an abstract way. It is a very simple way, but the same form is used so that the viewer can recognize it. Because they are not reproducible, they contain the possibility of abundant change in the mind.
In my work, I first create a pattern that symbolizes the subject, and then abstract the movement of space in a Japanese poem or the structure of a garden. By repeating the same motifs, they become formalized.
However, the form of the work changes little by little, and one work contains another, and the works dynamically "continue to be formalized" by being related to each other.
Natsuki Oshiro, Sep 2022
風景の見え方を更新していくことはできないだろうか？
東京とその近郊で生まれ育った私にとっての風景は、商業的な看板や広告、ファッション、コンビニやデパートの商品だったと思う。理性で作られる都市空間は利点もたくさんあるけれども、新しいものを常に追い続ける都会の生活にはどこか浮遊感があって、物では埋まらないような隙間を感じることがある。都市の均質な風景を、どうしたら豊かなものにすることができるだろうかと考える時、私は歴史的文学的な視点が、ひとつの風穴になると思う。
ひとつの同じ月が、過去の和歌や漢詩を通すことで、様々な月へと変化する。私たちは言葉を介して、過去に存在した人が見たその月を、一緒に見ることができる。過去とのつながりはナショナリズム的な異文化の排除や、あるいは階級的な性質のものではなく、他者が見る風景を知ることで他者への理解を深め、また土地とのつながりを感じるものでもあると思う。
万葉集の和歌を詠むと、およそ1300年前の人が何を見て心を動かしたのか、垣間見ることができる。
時と場を異にする人々が見た風景を、言葉だけを通して見ることは、再現的な絵や写真が残っていてはできない想像力の広がりの可能性を秘める。
例えば書は、文字それ自身と、文字の内容が作る風景の両方を同時に見る。そこに絵がないからこそ、私たちの頭の中に浮かぶ映像は無限の可能性を持つ。
日本庭園では、石だけで滝を表現したり、有名な景勝地を抽象化して見立てることがある。それらはとてもシンプルな方法だが、同じ形式が使われるため、見る側は共通認識として、それだと分かるようになっている。再現的ではないからこそ、心の中で豊かに変化する可能性を内包する。日本庭園や書では、その場にない風景と、またそのズレ自体をも楽しむのだ。
私は作品において、まず対象を象徴する模様を作る。その後、ひとつの和歌における空間の動きや、庭園の構造を抽象化する。同じモチーフが繰り返されることで、それらは形式化されていく。けれども少しずつ作品の形態は変化していき、ひとつの作品は別の作品を内包する。作品同士は関係付けられながら、動的に「形式化され」続ける。
日本庭園の見立ての手法のように、私の作品において、和歌や風景は「名付けられ」続ける。
過去の言葉を新しく現代の風景に重ねる時に、抽象的な形式だからこそできることがあるのではと考えながら、詩歌や庭園における風景をテーマにした作品を制作している。
大城夏紀 2022/9